Sixto Rodriguez - Cold Fact [1970]

1.Sugar man 3:45
2. Only Good For Conversation 2:25
3. Crucify Your Mind 2:30
4.This Is Not A Song, It's An Outburst 2:05 
5. Hate Street Dialogue 2:30
6. Forget It 1:50
7. Inner City Blues 3:23
8. I wonder 2:30
9. Like Janis 2:32
10. Gommorah (A Nursery Rhyme) 2:20
11. Rich Folks Hoax 3:05
12. Jane S. Piddy 2:54

Was it a huntsman or a player                 ¿Fue un cazador o un jugador?
That made you pay the cost                     Quien te hizo pagar el precio
That now assumes relaxed positions        El que ahora goza de una buena posición
And prostitutes your loss?                       Y prostituye tus perdidas
Were you tortured by your own thirst     ¿Fuiste torturado por tu propia sed?
In those pleasures that you seek              En esos placeres que buscabas
That made you Tom the curious             Que te convirtió en Tom, el curioso
That makes you James the weak?           Que te convirtió en James, el débil.

      Hoy en día hablar de Sixto Rodriguez es referirse a quien se convirtió paradójicamente en una leyenda musical de una forma poco previsible, su nombre acaparó todos los medios (radio, revistas, televisión, late shows) desde la salida a la luz de su particular historia. Fama inusitada que para él llego de la noche a la mañana aquel día en que un grupo de investigadores sudafricanos lograron dar con él vía telefónica a su humilde casa ubicada en Detroit, localidad donde nació, se crió y vivió trabajando en diferentes cargos relacionados a la construcción durante 40 años. Poco quedaba de un allá olvidado músico que grabó 2 discos a principios de los 70 y que fue despedido del sello poco después por la precariedad de los resultados en ventas. ¿Un mal momento para su música? ¿Mal manejo de promoción por parte del sello? Nunca nadie lo sabrá y quizás es parte del misterio que rodea a este personaje. Lo cierto es que su sonido esta muy cerca de lo que hacía Bob Dylan por esos años, y ya sabemos el peso que tiene ese nombre para la historia de la música.

      Si bien a fines de los 70 logró por primera vez pisar escenarios mas grandes que aquellos pequeños bares llenos de prostitutas y gente ebria donde solía tocar en Detroit durante sus primeros años, fue debido a la contrariedad de que sus discos empezaron a circular fuera de su lugar de origen lo que empezó la controversial historia. Australia y Nueva Zelanda acogieron su música hacia fines de esa década y fue allí donde logró rehacerse de un nombre artístico, pudo realizar un par de presentaciones entre el 79 y el 80. Sin embargo, del dinero por la venta de sus discos nunca vio mucho. Los derechos de su ex-sello discográfico fueron comprados por un sello sudafricano que se encargó de seguir lanzando ediciones y recopilaciones sin el consentimiento de él. Posterior a esta etapa fuera de su país, Rodriguez salió de total luz pública y volvió a su vida austera a la sombra de su ciudad natal.

      No fue hasta entrados los años 90 que en Sudáfrica sus discos comenzaron a editarse en CD, formato en el que toda la industria musical venía apuntando. Sixto ya para entonces era considerado un artista de culto en ese país, su música de alguna forma se había propagado por toda la zona mediante copias de cassette y el boca a boca durante las décadas pasadas. Con el tiempo logró tal cantidad de ventas que llegó a obtener disco platino (mas de 50.000 ventas), algo inusual en Sudafrica.

      ¿Pero cual era el origen contextual de este suceso? La realidad fue que sus letras ayudaron a sobrellevar el proceso social que arrastraba el país,  la gran segregación racial post-guerra mas conocido como Apartheid. Las letras antisistémicas, rebeldes y enérgicas de Sixto se convirtieron en verdaderos himnos de una sociedad que buscaba igualdad, valoración y respeto por los derechos humanos, además de un creciente desapego a los poderes políticos y económicos que controlaban al país. Era una época llena de manifestaciones de tanto blancos como negros contra el poder mas conservador y poderoso.

      Sixto sin tener ningún reconocimiento en su país, al otro lado del mundo se había mitificado y transformado en un artista tan imprescindible en el catálogo musical de cualquier persona como lo fueron Los Beatles y Elvis en otros continentes como Europa y América. Pero no solo eso, su entidad adquirió reconocimiento social en los ideales de la juventud ayudando a catapultar el movimiento musical africano de los años 80 denominado Voëlvry, conocido por su tendencia anti-stablishment.

      Su estatus de héroe musical estaba lleno de misticismo y delirantes rumores, su presunta muerte producto de un suicidio arriba del escenario de la cual se despegaban variadas versiones lo condecoraban como un personaje de culto a la altura de Jimmi Hendrix y Jim Morrison.

      Verlo presentarse en vivo y en directo como quien dijera “vivito y coleando” ante una enorme multitud enardecida es el climax del documental emitido en el año 2012 y ganador del Oscar, “Searching for Sugar Man” y que dio rienda suelta al reconocimiento actual del caso Rodriguez en el resto del mundo.

      Para esta ocasión en Cerdo-Volador, les traigo (y en calidad 320kbps) el primero de los 2 álbumes originales que posee Rodriguez, llamado "Cold Fact" y lanzado allá en el año 1970 por su ex-sello Sussex Records, del cual se desprende un sonido folk y psicodélico atinjente a lo que venía sonando durante esa década, en el caso de Rodriguez canciones con temáticas sociales y personales. Sugar Man fue uno de los temas mas polémicos del álbum a raíz de su letra. Interesante ver como se censuraban temas específicos durante esa época (ver en documental)

      Cabe la pena mencionar que algo que ha caracterizado a este personaje es la humildad con la que ha recibido toda esta repentina y desmesurada fama, lento y relajado a la hora de hablar, ha viajado para ofrecer su antaño repertorio de dos discos sin una banda de apoyo constante sino con músicos que se forman en cada localidad donde se presenta. Rodriguez de alguna forma ha sabido lidiar con increíble calma todo lo sucedido, su carácter introvertido se puede vislumbrar en cada entrevista que le han realizado. Un hombre, una guitarra y una historia para contar al mundo. Después de largas semanas de gira, siempre vuelve a la misma casa donde ha vivido estos 40 años junto a su familia y donde se le puede encontrar hasta el día de hoy, alejado de todas las presiones de la industria musical a la sombra de aquellos edificios que hacen de esa ciudad, el lugar donde realmente pertenece aquel músico que ¿quien sabe porque?, en su momento la historia quiso obviar.

  

  

Sixto Rodriguez - Cold Fact.zip 62.1 MB

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Electrodomésticos - En vivo en el Teatro Municipal de Santiago

00:00 Los Pasos que Dejaste Caer
05:15 Se Caiga el Cielo
13:34 Corazón
20:50 Fe de Carbón
25:48 Solo Nombrar
31:20 Besar Adiós
36:08 Detrás del Alma
41:28 Donde Sueñas
45:50 Malvados
51:45 Devolver
56:54 No Me Digas
1:01:20 La Muerte que te Vio Nacer
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1:10:39 Yo La Quería
1:17:44 Hey Dad!
1:23:09 En Tu Mirar
1:26:55 El Frío Misterio

 Hoy no tendremos post, pero les dejamos este video, con la presentación completa del grupo Electrodomésticos en el Teatro Municipal, presentando su último disco "Se Caiga el Cielo".

King for a Day... Fool for a Lifetime [1995] - Faith No More

Si bien es cierto no todos los discos para ser buenos deben ser número uno, es más, hay un dicho muy bien dicho que por algo lo dicen: “Nadie es profeta en su propia tierra”. Este disco en particular tiene esa característica, llego a mí en mi primer año de universidad, era periodismo… ufff.... Que año 2003, cuando entre cervezas, vinos y amigos lo oí por primera vez, se trata del quinto album de estudio de la banda californiana Faith no More, King for a day… Fool for a Lifetime. Quienes a pesar de traer un recorrido bastante exitoso en la escena rockera alternativa de la costa oeste y del rock internacional en particular no fue bien recibido por la audiencia norteamericana ni europea, pero que si obtuvo números uno en Oceanía; en fin, eso da lo mismo, estamos en Chile y junto con el disco aquel año 1995 de su edición, los trajo a nuestro país con el festival Monster of Rock de la época, iniciándose así una estrecha relación de amor y amistad entre la banda y Mike Patton en especial y el publico chileno. (más allá de que lo hayan escupido aquel día)

Remontándonos a sus orígenes, la banda se forma en 1982 con el nombre de Faith no Man y estaba integrada originalmente por el bajista Billy Gould, el baterista Mike Bordin, el teclista Wade Worthington y el frontman Mike Morris, quienes luego serían reemplazados posteriormente por Roddy Bottum y Chuck Mosley respectivamente. En 1988 finalmente Chuck es reemplazado por quien se convertiría en el icono del grupo y quien marcaría una referencia en los 90’s, el señor Mike Patton (nuestro rey guachaca). Pero la historia de King for a day es particular porque sale Jim Martin, guitarrista de la banda y Trey Spruance se encargó de éstas en la grabación del disco, sin embargo dejó la banda porque no estaba dispuesto a salir en una gira tan larga así que fue reemplazado por Dean Menta, antiguo roadie de esta. ¿se entiende?. Pero lo que nos convoca es King for a day.

La Leyenda del Tiempo [1979] - Camarón (de la Isla)

La fusión es un género curioso dentro del amplio espectro de las etiquetas que nos gusta ponerle a la música, pues desde su mismo nombre nos dice que es música que toma un poco de aquí y un poco de allá, y que evidentemente nadie tuvo la perspicacia de ubicar en otro género más definido, o bien, no tuvo la "visión" para bautizarlo -en esta recopilación de Wikipedia, uno se encuentra con nombres como Gypsy punk,  pop barroco, o Riot grrrl, entre otros varios intentos ridículos  de clasificación-.

Amén de lo exitosos que sean los llamados géneros musicales para cubrir el amplio espectro de posibilidades musicales, la famosa fusión, como decíamos, declaradamente hace uso de elementos musicales de distintos orígenes, que pueden llegar a ser extremadamente disímiles, y los aúna en propuestas que pueden llegar -o no- a ser bastante interesantes.

Una fuente muy común es el folklore de los distintos países. Especialmente en el rock, un rasgo de identidad que han utilizado muchos artistas para diferenciarse es hacer fusión con las músicas propias de su cultura. Rápidamente podríamos nombrar grupos como Aphrodite's Child, de Grecia; Premiata Fornería Marconi, de Italia; Kenso, de Japón; o Los Jaivas, de Chile. Todos distintos entre sí, pero parecidos en su búsqueda de una expresión propia.

Otras veces sucede al revés: un cultor de música tradicional incorpora elementos de otras músicas. Es el caso del disco que presentamos hoy.

Camarón de la Isla es quizás el cantaor de flamenco más conocido internacionalmente. Junto con Paco de Lucía, lideró una generación de músicos flamencos que hicieron salir el flamenco más allá de España, y de paso, transformando los paradigmas establecidos de esta música. En un mundo musical caracterizado por el tradicionalismo y la ortodoxia, las innovaciones -camaronerías- que introdujo en el cante, escandalizaron y maravillaron por partes iguales. Así, entre 1969 y 1977, Camarón y Paco grabaron 9 discos que despertarían controversia en los círculos más puristas del flamenco; por otro lado, no se puede negar la magnífica manera de interpretar -la flamencura- de la voz de Camarón.

 

Pero La Leyenda del Tiempo da un paso más allá. Sobre versos de, entre otros, Federico García Lorca, y la composición y producción de Ricardo Pachón -quien ya había trabajado en otros 'experimentos' de fusión del flamenco con géneros como el rock o el punk-, se entremezcla la tradición del flamenco, el cante y el toque, con sonidos del jazz, el blues y el rock. Integraron una serie de músicos jóvenes ansiosos por dar nuevos aires al flamenco, entre los que se encontraba un joven guitarrista flamenco que acompañaba a Camarón en vivo por aquellos días, cuyo nombre artístico era Tomatito, y que llegaría a ser uno de los más famosos guitarristas de su generación.

Escuchar la guitarra con el toque flamenco, con una sección rítmica de bajo y batería, con palmas, y solos de guitarra eléctrica, y un fondo de sintetizador, ciertamente debe haber sido choqueante para quienes esperaban un nuevo disco de Camarón de la Isla, y no de este Camarón a secas, que viene a traer nuevos aires a la música flamenca.

El disco parte con un potente tema, con una guitarra rasgueada y palmas, pero marcando el ritmo con el bajo y la batería, y los versos de García Lorca, y entre los solos de guitarra y moog. Una perfecta mezcla entre bulería y riff rockero. De ahí en adelante mezcla temas de raigambre más tradicional -como Romance del amargo- con pasajes más eléctricos. Temas como La Tarara, o la rumba Volando Voy, e incluso Nana del caballo grande, cuyo acompañamiento es un acorde en pedal del teclado y un sitar indio, e incorporando bajo, teclado o batería, ocupando lugar por derecho propio donde tradicionalmente sonarían toques de guitarra flamenca, zapateados o palmas.

Cierto es que en su momento fue duramente criticado, llegándose a vender durante los primeros 13 años apenas 6000 copias. Cierto es también que Camarón le dijo a su productor, que el próximo trabajo fuera 'más tradicional'; que Paco de Lucía diría del moog que suena en el primer corte que 'no valía un pepino'. Pero también es cierto que con el paso del tiempo el disco ha sido reconsiderado en su valor artístico e histórico como un hito en la música flamenca, que permitió que se abrieran las puertas a nuevas influencias y, por suerte para nosotros, mucha y muy buena nueva música.

1.- La leyenda del tiempo (Jaleos) 3:41
2.- Romance del Amargo (Bulerías por soleá) 3:47
3.- Homenaje a Federico – (Bulerías) 4:10
4.- Mi niña se fue a la mar –
(Cantiñas de Pinini) 3:05
5.- La Tarara – (Canción) 3:46
6.- Volando voy (Rumba) 3:25
7.- Bahía de Cádiz (Alegrías de baile) 2:56
8.- Viejo mundo – (Bulerías) 2:45
9.- Tangos de la Sultana – (Tangos) 4:29
10.- Nana del caballo grande – (Nana) 4:58

MEGA
 MF

Theresa Andersson - Street Parade (2012)

1. Street Parade (4:32)
2. Injuns (4:15)
3. Listen To My Heels (3:45)
4. Hold On To Me (3:45)
5. Ruby (2:32)
6. What Comes Next (3:32)
7. Fiya's Gone (3:26)
8. Sleepsong for Saoirse (3:02)
9. Endymion (3:41)
10. January (3:25)
11. Plucks (2:39)




      Vas caminando por la calle, el día se muestra resplandeciente ante una agitada muchedumbre de personas, ciertos personajes caminan hacia el trabajo hablando por celular, algunos adultos mayores se detienen a relajarse en una banquita mirando a la gente pasar, se sienten risas de jóvenes a lo lejos mientras disfrutan la llegada del anhelado fin de semana, las tiendas, bares y restauranes a esas horas se ven llenas de gente, algunos turistas se unen a sacar fotos entre ellos y a grabar videos de los músicos callejeros que se hacen escuchar en cada rincón, agrupaciones musicales con montones de trompetas, saxos y trombones mueven la ciudad al ritmo del jazz y algunos guitarristas le rinden honor a maestros del blues, mientras que por otro lado se vislumbran parejas bailando al son de los ritmos latinos. La ciudad se prepara para los eventos nocturnos, es temporada de festival. Uno mas de los que abundan en la multifacética ciudad de New Orleans, donde la multiculturalidad es pan de cada día.

      Este fenómeno se ve reflejado en pocos lugares del mundo. Pero para alguien que proviene de esas zonas resulta ser de lo mas normal encontrar tanta variedad musical y en muchos casos, talentosos instrumentistas. La noche deja espacio para aquellos músicos que presentan sus composiciones y shows mas performáticos. Nos adentramos a uno de los varios teatros y encontramos el particular caso de Theressa Andersson, quien presenta esa noche su mas reciente material en el marco de aquella gira promocional que la llevo a recorrer varios países en Europa el último año.

Quizas para algunos de por aca nos resulte totalmente desconocida, lo único seguro que podría decirles es que presenciar a esta artista en escena es un deleite de talento, una invitación a un viaje de ida y vuelta a su trasparente personalidad y a la música que la ha influenciado a través del tiempo y los lugares que ha visitado, sin artificios, sin sobreproducciones, solo mero ingenio y energía, de esa misma que llena la ciudad de movimiento y sonidos.

Mother Love Bone - Homónimo [La parte entretenida]

Solo hay una cosa segura que sabemos en el mundo, y esa es que nos vamos a morir, hoy, mañana, o en 50 años; creo que esa es una buena razón para hacer y crear cosas que nos puedan dejar satisfechos a posterior, pero ¿Qué pasa cuando ese final llega muy repentino? Ya sea la razón que sea, (hoy: las drogas).

“Vive Rápido, muere joven y deja un bonito cadáver”  diría James Dean a principios de los 50´s , frase que fue muy bien recibida por los rockeros de la década siguiente y que se transformaría en un lema y estilo de vida por varios años entrado el siglo XX. Es el caso de Andy Wood, vocalista de la banda grunge de Seattle,  Mother Love Bone, precursora con tantas otras del conocido “Sonido de Seattle”, quien murió por una sobredosis de heroína pocos días antes del lanzamiento del primer EP de la banda, tenia 24 años, y jamás pudo verlo editado y masificado, pese a ello logró configurar uno de los discos más entretenidos y decisivos de la escena.

Anneke Van Giersbergen - Drive (2013) [POST INVITADO]

  

por Carolina Beltrán

La holandesa Anneke Van Giersbergen entra en la escena musical como vocalista de la agrupación “The Gathering” en el año 1994, sin embargo irrumpe en mi vida allá por el 2000 cuando el disco “If Then Else” acababa de salir del horno. Desde ese momento me dediqué a conocer sus trabajos previos y, en adelante, la voz de esta intérprete me ha acompañado ininterrumpidamente, transformándola en parte importantísima de la banda sonora de mi vida

Su carrera con los antes mencionados trajo consigo el reconocimiento mundial, pese a que canta desde los 12 años de edad. Seis discos de estudio, 3 EP, 2 En Directo, 1 B-Sides y 3 DVD’s avalaron su crecimiento como intérprete. Todos los que fuimos (y somos) seguidores de esta banda seguimos alabando la calidad vocal que le imprimió y su capacidad infinita de reinventarse.

Con una prolífica carrera en solitario e incontables participaciones en producciones de otras agrupaciones (Lawn, Ayreon, Moonspell, Within Temptation, Devin Townsend, Danny Cavanagh, entre otras), su éxito, incluso después de haber dejado la banda en 2007, sigue creciendo al punto de tener ya a su haber 6 producciones, 4 con “Agua de Annique” y 2 en las que figura en solitario.

“Drive” es su 5ta. placa en estudio de desde el alejamiento de “The Gathering”. Es un disco enérgico que junto con lo visto en la anterior entrega (“Everything Is Changing” - 2012), la acercan cada vez más a lo que se estila por estos días en el mercado radial con tintes mucho más rock-pop que las tres primeras (“Air” - 2007, “Pure Air” - 2009 y “In Your Room” - 2009).

El disco es un despliegue de distintas tendencias y sonidos que arranca rápido, llendo desde el rock al pop y la experimentación. Es cierto que durante años nos acostumbró a un estilo mucho más profundo, pero esta entrega intenta explorar un mercado sobreexplotado por bandas comerciales y productos maqueteados por las compañías discográficas. 

Anneke ya no es una niña, es más bien un adulto de espíritu muy joven. A sus 40 años sabe exactamente qué tecla tocar, qué punto presionar para no caer ni en la chabacanería de un pop muy explícito ni en la severidad de un rock muy cabezón. La idea es simplemente enseñarle a las nuevas generaciones que no hay momento exacto para dejar de divertirse en lo que hacer música respecta. Es mi sentir decir que se encuentra en el momento preciso para arriesgarse con esta propuesta más osada y global. Su música ha vuelto dispuesta a conquistar otros segmentos que permanecían alejados de su espectro y, de la mano de su nombre y trayectoria, llena los recintos de público fiel y nuevo, teniendo como armas su carisma indiscutible, una banda soporte de sonido limpio y la calidez y perfección de su voz.

Este disco está plagado de temas que podrían ser considerados singles en el momento que sea necesario echar mano de ellos. A diferencia de las placas anteriores que contaban con períodos introspectivos más largos, esta es fácil de digerir, aceptar, cantar y hasta bailar.

Canciones como “Treat Me Like A Lady”, “She”, “Drive” y “The Best Is Yet To Come” son perfectas para cuando se necesite de energía, el “push” para levantarse en la mañana, tener la sensación de ir el un auto por carretera a mucha velocidad o simplemente para cuando se tenga la necesidad y el deseo de bailar.

“Mental Jungle” explora una fusión que antes no habíamos visto en los discos de Anneke. Su timbre característico unido a los sonidos del Medio Oriente y la voz del cantante armenio/turco Hayko Cepkin le dan a este disco el grado de novedad preciso para esperar que en sus nuevos trabajos y/o colaboraciones se encuentre algo parecido porque el resultado es claramente alentador.

“We Live On” y “Shooting For The Stars” ponen el tinte esperanzador en la placa. La primera con un serio parecido a lo mostrado por “The Killers” en “When You Were Young” fusionado con U2 en “City Of Blinding Lights” en menor grado, te dejan con una suerte a sabor dulce pero no empalagoso, mientras que la segunda es ciertamente la canción levantadora de espíritu del disco con la que inevitablemente terminas sonriendo.

En “My Mother Said” está la nostalgia que nunca puede estar ausente en una entrega de la intérprete. “Melancolía Sour” (nombre de trago… bonito no?), así le llamo yo a esa mezcla agridulce de ternura, introspección y añoranza que siempre logra imprimir en todos sus trabajos.

Pues bien! Aquí está lo nuevo de Anneke Van Giersbergen. Mi cantante favorita del género Soft-Rock-Pop-Fusión-Experimental-Whatever femenino.

Espero sea de su agrado y nos leemos para la próxima! :D

Enjoy!

- T R A C K L I S T -

01. We Live On (3:41)

02. Treat Me Like A Lady (4:01)

03. She (3:08)

04. Drive (3:43)

05. My Mother Said (3:22)

06. Forgive Me (3:11)

07. You Will Never Change (4:04)

08. Mental Jungle (3:44)

09. Shooting For The Stars (4:34)

10. The Best Is Yet To Come (4:05)

Videos Relacionados:

The Best Is Yet To Come

Mental Jungle

My Mother Said

Treat Me Like A Lady

El disco completo lo encuentra en Grooveshark y/o si lo quiere bajar, el torrent queda aquí → http://thepiratebay.sx/torrent/8940037/Anneke_van_Giersbergen_-_Drive_(2013)

The Acoustic Adrian Belew [1993] - Adrian Belew

Adrian Belew es de ese tipo de músicos que uno se pregunta por qué no son tan conocidos (bueno, se lo pregunta hasta que se da cuenta dónde están las prioridades para la industria musical) . Como sea, oyendo su música, leyendo sobre su carrera, todo lo que ha hecho, es difícil de entender la poca difusión que ha tenido.

Yo lo conocí fundamentalmente por ser miembro de King Crimson desde los años 80, hasta este año en que se anunció una nueva formación del Rey Carmesí que lo reemplazaba por Jakko Jakszyk en la voz principal y guitarra (algo con lo que no estoy para nada de acuerdo con mr. Fripp). Uno de los miembros que más tiempo ha estado en la banda, después del mismo Robert Fripp, y casi a la par del baterista Bill Bruford, e indudablemente uno que ha contribuído notoriamente en el sonido, y en el estilo de King Crimson, siendo lo más destacado la transformación que se dio en los 80 con la trilogía Discipline-Beat-Three of a Perfect Pair. Junto con Bruford, Fripp y el bajista Tony Levin, Belew dio voz y carácter a la nueva era de King Crimson.

Antes de eso ya se destacaba por ser un guitarrista muy versátil; Fuertemente influenciado por The Beatles, ha tocado con Talking Heads, Frank Zappa, David Bowie, y el año pasado y este con Nine Inch Nails; y en cada proyecto se ha destacado por su creatividad, su inventiva, su histrionismo y calidad compositiva, además de su virtuosismo en la guitarra, y su afán de experimentación, patentes desde el inicio de su carrera como solista en 1982, con la publicación del disco Lone Rhino.

Conocí éste disco, y a su autor, a través de un blog llamado Rock-privado, hoy en día extinto, al cual llegué buscando rock progresivo. Era el año 2007 o por ahí, y justamente en mis escuchas de rock más bien experimental (un cuento largo y aburrido que no voy a relatar ahora), y a través de ese bendito espacio de la red, llegué a un disco que, viniendo de quien viene, es a la vez muy distinto, y muy cercano.

La cáratula, evidentemente influenciada por el White Album.

Lo maravilloso de este disco es que Adrian y su guitarra hacen todo el trabajo, salvo quizas el tema Martha Adored, que es la canción Dream Life al revés. El resto son muy cuidadas reinterpretaciones y arreglos de canciones de su trabajo solista, con King Crimson, o versiones de artistas como The Beatles o Roy Orbison.

Y -sin quitar mérito a estos- no es un unplugged cualquiera. El trabajo guitarrístico, propio de la búsqueda personal de Belew, es muy cuidado, excelentemente arreglado e interpretado, aprovechando las posibilidades técnicas y tímbricas de la guitarra para recrear sus versiones de estudio, llegando incluso -en casos como Matte Kudasai, de King Crimson, o The Rail Song- a mi gusto, superar las versiones originales (y con el tema de KC es una cuestión sobresaliente!).

Además de esto, un tema fundamental en el trabajo solista de Belew son algunas temáticas de sus letras, relacionadas con la destrucción del medio ambiente y el respeto -y amor- por la naturaleza. Canciones como The Lone Rhinoceros, Peace on Earth, Burned By the Fire We Make, hablan de la depredación sin sentido, del progreso sin ética ni respeto por la tierra. En esta última, el estribillo, más que elocuente, es desolador: 

"Ésta es la naturaleza de la raza humana:

matar a todo lo que se pone en nuestro camino.

pobre Madre Naturaleza, hemos desfigurado su rostro;

El hombre es el artífice de su propia desgracia"

Mensajes que son difíciles y necesarios en estos momentos; quizás una de sus más grandes genialidades.

Entonces, recomiendo este disco como una forma muy bella de acercarse a la obra de este gran músico; Es un lujo además escuchar la calidad compositiva de las canciones, el cuidado y belleza de los arreglos de la guitarra, y las preciosas y precisas letras.

1.- "The Lone Rhinoceros" (Belew) – 2:37
2.- "Peace on Earth" (Belew) – 2:49
3.- "The Man in the Moon" (Belew) – 2:12
4.- "The Rail Song" (Belew) - 3:42
5.- "If I Fell" (Lennon–McCartney) – 2:18
6.- "Burned by the Fire We Make" (Belew) – 2:50
7.- "Matte Kudasai" (Belew, Bruford, Fripp, Levin) – 2:18
8.- "Dream Life" (Belew) – 2:19
9.- "Old Fat Cadillac" (Belew) – 3:12
10.- "Crying" (Orbison/Melson) – 2:39
11.- "Martha Adored" (Belew) – 2:19

Ulver - Messe I.X-VI.X [2013]

1- As Syrian pour in, Lebanon grapples with ghosts of a bloody past     /    11:50
2- Shri Schneider    /    5:34
3- Glamour Box (Ostinati)    /    6:10
4 - Son of Man    /    8:23
5- Noche Oscura del Alma    /   5:25
6- Mother of Mercy    /    7:22

        Hablar de Ulver estos días es sinónimo de hablar de una de las agrupaciones mas exorbitantes e influyentes dentro de los proyectos relacionados a la música de vanguardia. Actualmente considerada banda de culto, los noruegos empezaron por allá en el 1994 con sus primeras obras editadas, desde entonces su música ha abarcado ambiciosas estéticas sonoras con cada nuevo disco, desde el rock progresivo, folk-metal, metal noruego (si, de ese agresivo metal que conocemos como Black Metal), integrar sonidos mas experimentales relacionados a la música electrónica, adentrarse a subgéneros como el TripHop, el Ambient, la Psicodelia… realizar trabajos ligados al Jazz (revisar uno delos discos que están subidos a esta pagina). Hasta llegar a lo que hoy pareciera ser una especie de música ambiente orquestal-electrónica con cortes muy propios de bandas sonoras.

       Escuchar cualquiera de sus discos requiere primero que todo entrar en el contexto ritual propicio, me refiero a despegarse de cualquier estímulo externo que no sea escuchar la música presente, y en lo posible encerrarse en una pieza y ocupar audífonos (muchas cosas están pensadas deliberadamente para ser escuchadas de esta forma, un juego de panorámicas auditivas, capas y capas de instrumentos y sonidos electrónicos, etc)

       Este último trabajo, llamado Messe I.X-VI.X, sigue la línea que nos habían dejado sus ultimas producciones, enfocándose aún más en el sonido de música sinfónica, para esto la banda recibió apoyo y ayuda del compositor Martin Romberg quien les asistió en realizar diversos arreglos para ser grabados junto a la Tromsø Chamber Orchestra. El disco cuenta con 6 composiciones de carácter ambiental sinfónico, y una producción realizada por la misma banda.
    

       Personalmente diría que el disco cumple con la exigencia que se esperarían para una banda como Ulver. No está demás decir, pero en proyectos como este me pongo a sobrepensar detalles que se nos van a menudo. Desde la posición de la banda, que complicado debe ser intentar reabrir nuevos caminos musicales, ya siendo una banda de culto en este sentido, una nueva entrega discográfica debería satisfacer como mínimo esa alta vara que han logrado dejar, y si lo comparamos con producciones como Perdition City ufff, no es para menos que se estén dedicando tanto tiempo entre cada lanzamiento (no contemos esos últimos discos entre el 2010 y 2012 que mas que grandes ediciones se tratan de juegos de improvisación y covers varios).

Para este post no quisiera recurrir al análisis formal y especifico de cada corte, ya que para serles sincero, es un disco que lo he escuchado en diferentes ordenes y sigue funcionando bien. Si lo escuchan desde el tema 1 al 6 originalmente verán como la atmósfera se va levantando de a poco, parte muuuuuy relajado (quizás ahí un primer error para presentar un disco) y masmenos a la mitad emprende un vuelo estratosférico para luego aterrizar a un lugar que no es precisamente de donde veníamos. Quien sabe, podrían referirse a la lógica que nos prepara a su siguiente trabajo.

       Como dato extra (aprovecho al tener el tema Ulver abierto) recomiendo mucho que escuchen a esta banda en vivo. La calidad de la post producción de estudio no se ve deteriorada al presenciarlos arriba de un escenario, es mas, se ve sonora y visualmente reforzada al verlos tocar muy afiatadamente composiciones tan difíciles de interpretar.

            

      No se si el disco sea de esos que les cambie la vida, considero que es un disco interesante para conocer a la banda, aunque sus anteriores producciones (desde el Shadows of the Sun para atras) difieren mucho del sonido actual, supongo que parte del valor de Ulver es su capacidad de re-inventarse y seguir pavimentando camino para proyectos ambiciosos como este. No estaría mal que cosas asi se realizasen en un contexto local no? Por ahí les sugiero revisar unos proyectos en los que se vio involucrada la banda chilena Como Asesinar a Felipes junto a un grupo orquestal.

      Espero que para esta vez no tengamos problemas con el copyright, porque cosas así da gusto escuchar. Lamentablemente es dificil encontrar material de proyectos como este en su disquería mas cercana, e importarlos saldra una millonada. Los invito entonces a pagar los 6 Euros que cuesta su descarga online :D (unos 4 mil pesos chilensis)
Solo me queda volverles a decir, disfruten del viaje...
Messe_I.X-VI_getrockmusic.org.rar (117.6 MB)
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